Los mejores álbumes de 2023 hasta ahora: vea la lista

Es Junio. Ya. El año se te escapa. ¡Pero no de nosotros! Nosotros, el personal de Stereogum, hemos reunido una vez más nuestro resumen anual de los mejores álbumes de la primera mitad del año. Estamos al tanto de eso para que usted no tenga que estarlo.

Todas las listas son subjetivas, incluso algunas como esta que se sienten tan objetivamente correctas. Obviamente, no hemos escuchado todo lo publicado desde enero, y nuestras selecciones representan un cierto punto de vista colectivo que no abarca todo el espectro de la música grabada. Usted lo consigue. Aún así, de todos los discos que hemos consumido con fecha de lanzamiento anterior al 30 de junio, avalamos estos 50 por encima del resto.

Si eres el tipo de persona que pasa tiempo haciendo clic en este sitio web, la siguiente lista probablemente contenga algunos de tus álbumes favoritos del primer y segundo trimestre de 2023; Es probable que también presente algunos discos que aún no sabes que amas, así como algunos que no puedes soportar. Eso es genial. Así es como se supone que funciona esto.

OK, suficiente preámbulo. Celebremos juntos la continua vitalidad de la música. Vamos a discutir. Busquemos algo nuevo para obsesionarnos. Disfrutemos del fandom de la música y todo el discurso desordenado y apasionado que lo acompaña. Echa un vistazo a nuestras selecciones a continuación y comparte tu propia lista en los comentarios. —Chris DeVille

La versión de punk rock de Poison Ruïn es brutal, sucia y lo-fi, y la tocan con la grandiosidad de alto concepto del heavy metal. En el segundo álbum Härvest, Mac Kennedy aplica su ladrido de orco a historias sobre la época medieval y mundos fantásticos, convirtiendo la Edad Media en alegorías de la nuestra. La música resultante golpea con fuerza violenta y deja una suciedad desagradable en todo lo que impacta, como Snaggletooth, la mascota de Motörhead, la mascota de Motörhead, empuñando el extremo romo de una guadaña. —Chris DeVille

El rap regional nunca morirá. Incluso si no tuviera una canción llamada "Texas", con una muestra de guitarra deslizante y un video lleno de sombreros de vaquero, aún podrías marcar a BigXThaPlug de Dallas como un producto del underground de Texas a una milla de distancia. Todo está ahí: el acento retumbante y autoritario, los chistes divertidos de la vida criminal, la preferencia por los ritmos limpios y lineales construidos sobre muestras mareadas y el trueno 808. Con Amar, el Big Stepper demuestra ser una figura urgente y carismática que sabe cómo escribir una canción imborrable al instante. Él enorgullece a Texas. —Tom Breihan

"Hay partes de mí que todavía ni siquiera conozco", dice Yves Tumor en la pista de apertura de su último LP, que continúa desplegando nuevas dimensiones de uno de los cambiaformas reinantes de la música. Praise A Lord Who Chews… continúa la evolución de Sean Lee Bowie de productor electrónico experimental a glam-rocker distópico, manteniendo fragmentos de todo eso en el camino hacia una especie de personaje de estrella del pop dañado por el arte, tal vez un homenaje a ciertos antepasados, pero definitivamente no una parodia. El título de tl; dr Hot Between Worlds realmente lo resume. —Chris DeVille

Cruisin' argumenta que el pop electrónico experimental puede ser embriagador e intelectual y, al mismo tiempo, juguetón hasta el punto de la tontería. Lo último de Bernice logra una especie de estética new age de un valle inquietante, o tal vez es una deconstrucción del escultural synthpop practicado por artistas como Chairlift y Annie Lennox. La música de la banda de Toronto puede ser desafiantemente oblicua a veces, pero siempre regresa a momentos de belleza sincera como la exquisita "No Effort To Exist". —Chris DeVille

He visto una manera que suena como si hubiera sido golpeada en un almacén vacío. Cada sonido rebota en las paredes, se vuelve más grande que la vida: tambores en auge, el golpeteo de la lluvia, los encantamientos embriagadores de Valentine Caulfield, embarrados, confusos e ininteligibles (especialmente si no hablas francés). Las pistas suben y bajan inesperadamente, y en medio de los sonidos retorcidos, girados y destrozados, comienza a emerger un entorno, uno lleno de ruidos metálicos, clamor y una frescura diabólica. Supongo que eso es solo Mandy, Indiana. —James Rettig

No podemos dar por sentado a Boldy James. Durante años, el rapero de Detroit, ronco y autoritario, ha estado produciendo discos de historias criminales correosas a un ritmo imposible. Sin embargo, en enero, Boldy fue hospitalizado después de un grave accidente automovilístico; él está empezando a recuperarse ahora. Unos días después del accidente, Boldy lanzó Indiana Jones, un disco exuberante y psicodélico producido en su totalidad por RichGains, miembro de Blended Babies. El álbum es una mirada diferente para Boldy: una excursión cálida y melódica que sugiere un futuro abierto. —Tom Breihan

Durante aproximadamente un año, pensé que 100 gecs habían perdido su ventana. A medida que 10,000 gecs seguían retrocediendo, el paisaje hiperpop que el dúo ayudó a poner en el mapa pareció evolucionar y superarlos. ¿Cómo podrían competir? Pero no, cuando llegaron 10.000 gecs después de muchos retrasos, era exactamente lo que uno necesitaba. Infinitamente enérgico, deliciosamente caprichoso, simplemente loco: demostró que no importa cuántos artistas vendan sonidos similares, nadie puede hacerlo exactamente como gecs. —James Rettig

Nicole Dollanganger suena como un fantasma glamoroso. El músico canadiense pasó años provocando el lanzamiento de Married In Mount Airy antes de su repentina llegada a principios de este año, y su languidez oscura y entusiasta es ominosa y romántica en igual medida. Dollanganger grabó el álbum con el colaborador de Ethel Cain, Matthew Tomasi, y sus canciones irradian una serenidad dichosa mientras habitan vidas violentas y autodestructivas. El registro es reconfortante e inquietante a partes iguales, y no hay nada igual. —Tom Breihan

Con This Is Why, Paramore regresó triunfante. A lo largo de 10 pistas apretadas, Hayley Williams, Taylor York y Zac Farro se enfrentan a un mundo que cambia rápidamente, uno que se ve muy diferente al que habitaban cuando comenzaron hace casi dos décadas. Añadiendo un toque dance-punk al tono new wave que perfeccionaron en After Laughter, Paramore ofrece una clase magistral de evolución, tanto personal como profesional. —Rachel Brodsky

Liv.e (pronunciado "Liv", vale la pena repetirlo) es a la vez un retroceso y un futurista. En espíritu, Girl In The Half Pearl se siente directamente descendiente de Erykah Badu y la era del neo-soul, pero abre "Gardetto". — con sus tonos de marcación, ritmo frenético de drum 'n' bass y voces adyacentes hiperpop — establece de inmediato que Olivia Williams es su propia artista. A partir de ahí, las cosas solo se vuelven más extrañas, salvajes y apasionadas a medida que Liv.e injerta R&B en IDM con un toque singular y enfático. —Chris DeVille

Una de las cualidades más destacadas de Margo Price es su desafío y perseverancia. Strays es el proyecto más testarudo de Price hasta el momento, y se niega a ser encajonado en un género o tema "agradable". Price, una narradora consumada, aborda el derecho al aborto en la solemne "Lydia", el placer sexual femenino en "Light Me Up" y su propio viaje de salud mental en "Change Of Heart". Strays puede abarcar toda la gama de country, folk, americana y rock clásico, pero Price es un punk de corazón. —Rachel Brodsky

Gracias a su fecha de lanzamiento el día de Año Nuevo, mucha gente se perdió Higher Lonely Power. Pero si tienes algún interés en el indie rock abundante e icónico sobre la agitación más profunda del alma humana, no te duermas con la obra abatida de Fireworks. Mientras luchaban con el desencanto por la decadencia del cristianismo estadounidense, los antiguos pop-punks pasaron una década madurando su sonido, saliendo con un LP grandioso que arrasaría en la radio de rock alternativo si tuviera la oportunidad. —Chris DeVille

Un sentido real de los cursos de historia a través de I've Got Me. La compositora de la ciudad de Nueva York, Joanna Sternberg, creció en Manhattan Plaza, un enclave que ha sido el hogar de artistas de muchas tendencias a lo largo de los años, y ahí es donde regresaron para escribir su segundo álbum, y finalmente lo grabaron con Matt Sweeney al otro lado del río en Brooklyn. Las canciones de Sternberg evocan los muchos salones llenos de humo y los centros de música folclórica enervantes que han surgido y caído a lo largo de la larga historia de la ciudad, crudos y atemporales. —James Rettig

Podrían haberse separado. En cambio, cuando la partida del cantante Isaac Wood creó un vacío en el centro de su rock de conservatorio experto en cultura pop, los seis miembros restantes de Black Country, New Road escribieron una lista de canciones completamente nueva, pasaron meses perfeccionándola en la carretera y convirtieron un actuación triunfal de su ciudad natal en un álbum en vivo que funciona como su próximo LP. Aunque los cantantes y compositores rotan, las nueve pistas completamente nuevas en Live At Bush Hall comparten una personalidad peculiar, una vibra dramática y dinámica de blog-rock de teatro comunitario que se siente tanto épica como encantadoramente diarística. ¡Mira lo que hicieron juntos! —Chris DeVille

ICECOLDBISHOP surgió del calor de South Central, Los Ángeles, con un álbum que suena como si Kendrick Lamar se hubiera unido a A$AP Mob hace una década. Generational Curse le da un giro espeluznante a la música de los ciclistas de la costa oeste: los versos desencadenados de Bishop cambian de forma y estallan en picos salvajes y excéntricos, y el G-funk demoníaco de sus productores suena como una sinfonía de graves tambaleantes acorde con todo el material oscuro con el que cuenta. . Sin embargo, como, por ejemplo, Three 6 Mafia, es tan coloridamente creativo (y simplemente divertido) que incluso esta marcha a través del infierno suena como música de fiesta. —Chris DeVille

Después de años de evitar intencionalmente cualquier cosa que pueda recordar a los oyentes "Midnight City", que definió la década de 2010, Anthony Gonzalez vuelve a poner a los oyentes en la arena en el noveno álbum de estudio de M83. Completo con ritmos acelerados, teclas en cascada y sintetizadores de ondas de marea, Fantasy es todo lo que desea que sea un disco M83: un muro de sonido cinematográfico que construye un mundo que justifica con creces su exceso salvaje. —Rachel Brodsky

Jesus Piece de Filadelfia siempre ha sido una de las bandas más físicas del circuito hardcore. En su segundo LP, luchan con la idea de cómo seguir siendo tan duros e implacables como siempre mientras hacen música sobre cosas de adultos. ¿Puedes escribirle una canción de amor a tu hijo que también funcione como un himno de mosh ignorante? Sí, resulta que puedes. Los riffs de …So Unknown son enfermizo como el infierno, y el sentimiento detrás de ellos es real. —Tom Breihan

Es raro escuchar a un grupo hardcore que realmente lo haga, pero eso es lo que hacen los Iniciados de California en su segundo LP. El sonido de Initiate es nítido y directo, y el líder de la banda, Crystal Pak, tiene un grito verdaderamente temible. Sin embargo, en Cerebral Circus, la banda viene con una producción brillante, ganchos del tamaño de una arena e incluso guitarra acústica ocasional. Es un estallido breve y enérgico de música mosh sincera, pero destacan sus momentos de catarsis a gran escala. —Tom Breihan

Aunque se basa en otras épocas, como el indie rock rudimentario de los 90 y el solemne folk británico de los 60, en esencia, Dead Meat es el mejor disco de jangle-pop de los 80 que nunca existió. El debut de The Tubs es tan propulsor y pegadizo que casi lo llamarías alegre si Owen Williams no estuviera bramando historias tan oscuramente morbosas e ingeniosas sobre cada brillante arpegio de guitarra. Imagina a Bob Mold al frente de los Smiths o incluso a Eddie Vedder haciendo equipo con Felt, y estarás en la timonera distintiva y familiar de esta banda. —Chris DeVille

Indigo de Souza lo mantiene real y crudo. El cantautor de Asheville interpreta letras vulnerables e incómodas con una inmediatez viva; ella junta incontables versiones de indie rock y pop en música que se siente tan profundamente personal como las palabras. All Of This Will End suena como dejar que todo cuelgue y enredar los hilos de tu vida, pero está demasiado ingeniosamente ensamblado para ser una salpicadura aleatoria. En la intersección de pensamientos profundos y grandes sentimientos, de Souza encontró algo parecido a la magia. —Chris DeVille

La productora de house criada en Arizona y con sede en Berlín, Avalon Emerson, ha sido un gran problema en el mundo de la danza durante años, pero cuando terminó su compilación DJ-Kicks 2020 con una versión de Magnetic Fields, sugirió un cambio de dirección. & The Charm es la culminación de ese cambio: un álbum completo de indie-pop balear de ojos estrellados que trae la carga química de pantalla ancha de la música de baile de la gran sala a los sonidos más pequeños y caseros que ella claramente ama. La combinación se siente tanto íntima como amplia. —Tom Breihan

Se suponía que este sería el álbum "normal" de Andy Shauf, pero a medida que el peculiar bardo de Canadá seguía haciendo lluvia de ideas y revisando, surgió otra pieza narrativa conceptual. Todos los LP de Shauf se reproducen como cine independiente, pero Norm es quizás lo más parecido a una película independiente oblicua que jamás haya hecho: una espeluznante y ambigua historia de acosadores metafísicos ambientada en una versión especialmente mareada del exuberante rock suave que encaja tan bien con su maullido inconfundible. Debuta el próximo en Sundance. —Chris DeVille

Karin Dreijer puede estar envejeciendo, pero no se están volviendo complacientes. Radical Romantics, su tercer álbum como Fever Ray, es el más suave y sensual hasta el momento, pero aún conserva los bordes espinosos de Dreijer. Hay insinuaciones entregadas como amenazas (el espeluznantemente íntimo "Shiver"), hay política personal retorcida (el golpe de venganza "Even It Out"), y está Dreijer mirando de reojo en cada esquina, pronunciando cada línea con esa firma. brillo diabólico. —James Rettig

Hay pocas canciones pop este año más hipnotizantes que "SO HARD TO TELL", que encuentra a la músico de Toronto Debby Friday deambulando por su ciudad sin poder distinguir entre la sombra y la luz. Su álbum debut, GOOD LUCK, está diseñado para el club, un espacio donde esas diferencias se convierten en trascendencia, y ella ofrece suficientes improvisaciones trepidantes y sintetizadores pegajosos para mantenernos con ganas de más. —James Rettig

A veces, solo quieres que alguien te arranque la cabeza y juegue Hacky Sack con ella. Eso es lo que hacen los fanáticos del hardcore de Nueva Jersey, Gel. El primer álbum de Gel es solo un álbum en la definición más vaga. Tiene una duración total de 16 minutos, y dos de esos minutos están dedicados a la parodia del mensaje de correo de voz "Tarjeta de llamadas". Pero cuando Gel corre a toda velocidad, se llenan absolutamente de ira, frustración y abandono vertiginoso y emocionado en sus furiosos ataques de adrenalina. —Tom Breihan

La primera vez que Gia Margaret hizo un álbum instrumental, fue una necesidad práctica; había perdido la voz. La segunda vez, se mordió la lengua simplemente porque la inspiración seguía fluyendo entre sus dedos. Gracias a la técnica de estudiante de piano no practicante de Margaret y al trabajo de mezcla único de Yoni Wolf, Romantic Piano tiene un dialecto sonoro propio, pero los sentimientos que desentierra son universales. Dale play a "Cicadas" y trata de no quedar reducido a un charco extremadamente melancólico. —Chris DeVille

Drain de Santa Cruz tiene una reputación como la divertida banda de fiesta del hardcore: el equipo que incita al pandemónium de buen carácter, que envía a la gente a saltar al escenario con tablas de boogie y cámaras de aire. Puedes sentir algo de esa energía de los buenos tiempos en su segundo LP, y Drain cambia las cosas de vez en cuando: un experimento de rap, una versión de Descendents que suena a Foo Fighters. Pero Drain puede traer el caos a los shows en vivo porque tocan duro, y tocan duro porque lo dicen en serio. Los riffs golpean, los ritmos rebotan y el líder Sammy Ciaramitaro escupe voces que aterrizan con un chapoteo húmedo y táctil. —Tom Breihan

Como cantautor en el centro de los Sidekicks, Steve Ciolek pasó un par de décadas refinando su don para el pop de guitarra acelerado. En el primer álbum de su nuevo proyecto, Ciolek presenta una versión relajada y envejecida en barril de ese sonido característico mientras desempaca la alegría fresca y las nuevas ansiedades del segundo trimestre de la vida. Trabajando en elementos del power-pop clásico y del indie rock de punta, Infinite Spring se siente vivo y vivido, y Ciolek aún puede llevar las canciones a un clímax de aullidos y golpes de puño cuando lo desea. —Chris DeVille

Lana Del Rey realmente se asustó con "A&W", pero ¿Sabías que hay un túnel bajo Ocean Blvd? es también su álbum más consistente en años. Es un subidón embriagador que se extiende a través de su propia historia familiar mientras navega por su lugar dentro de ese legado con conmovedor y profundo. Se siente lujoso y melodramático de la mejor manera. —James Rettig

Como líder del Centro de Justicia Regional, Ian Shelton ha sido responsable de una gran cantidad de música rápida, brutal y devastadora. Con Militarie Gun, va exactamente en la dirección opuesta, escribiendo ganchos de golden retriever grandes, amigables y emocionados que recuerdan al rock alternativo y al britpop de los 90. Pero incluso cuando esos coros se disparan, Nelson sigue gruñendo con autoridad y tiene el mejor gruñido de gorila del juego. En el primer largometraje oficial de Militarie Gun, los ganchos son más grandes, pero la intensidad permanece. Bien. Una gran melodía debería hacerte querer patear un agujero en una pared de ladrillos. —Tom Breihan

Las partes pesadas de A New Tomorrow, el álbum debut de la banda de hardcore de LA Zulu, son muy pesadas. Cuando se opera a máxima intensidad, Zulu suena como mundos explotando. Pero lo que distingue a A New Tomorrow son todas las cosas que no son pesadas. Durante una breve duración de media hora, Zulu juega con rap, jazz, funk, palabras habladas, muestras de Curtis Mayfield y Nina Simone. Todo se suma a una declaración poderosa sobre la negritud, la comunidad y la resistencia, y nunca se queda quieta. —Tom Breihan

La fórmula suena bastante simple: los hermanos Tom y Ed Russell combinan muestras vocales cuidadosamente manipuladas y elegidas por expertos con ritmos rápidos y sintetizadores aireados. Sin embargo, hay algún tipo de alquimia en la forma en que Good Lies se cohesiona. La pista del título atrapa una brisa y se desliza hacia el infinito. "Walk Thru Water" canaliza el hip-hop crepuscular de Noah "40" Shebib. "Sugarushhh" toca una cinta de oro dentro de un paisaje sonoro ambiental. Overmono hace que todo se sienta sin esfuerzo, pero si el dance-pop electrónico trascendente fuera fácil, más gente lo haría así. —Chris DeVille

Las propias Screaming Females de New Brunswick son veteranas de la industria ahora, con ocho álbumes, pero siguen siendo jugadores de sótano de bricolaje en el fondo y, a menudo, en la práctica. Con un poco de sintetizador y power-pop añadido a la mezcla, Desire Pathway es el sonido de una banda de larga trayectoria que hace exactamente lo que mejor sabe hacer: riffs que hacen temblar la tierra; percusión apretada y propulsora; y el inigualable temblor vocal de Marissa Paternoster. Screamales son para siempre. —Rachel Brodsky

Como un Plan de desmembramiento de grado industrial más oscuro o un sistema de sonido LCD de vanguardia, Squid le da la vuelta al dance-rock hasta que ya no puede bailar más. Sin embargo, el artístico y explosivo O Monolith hará que tu cuerpo se contorsione extrañamente. La voz desquiciada de Ollie Judge es una combinación perfecta para la música que puede ir en cualquier dirección en cualquier momento, cambiando de derivas lentas y pensativas a fenómenos de miedo con los ojos muy abiertos y ritmos de funk de ángulo agudo. No es el tipo de música que pones en una fiesta; es una experiencia —Chris DeVille

Meg Remy reinventa un eslogan patético de Home Goods tan bien en Bless This Mess que sinceramente espero que su próximo álbum se titule It's Wine O'Clock. Con el telón de fondo del embarazo, el parto y la lactancia ("Pump" en realidad muestra el sonido de un extractor de leche), Remy enfoca su lente en la maternidad y la cubre con un brillo disco-funk y R&B. —Rachel Brodsky

Se necesitó paciencia para esperar a Raven, el primer álbum nuevo de Kelela en seis años, y se necesita paciencia para sumergirse realmente en él, perderse en los ritmos espaciosos y encerrarse en su espacio mental más meditativo. Kelela reflexiona oblicuamente sobre el clima político e imagina un renacimiento potencial, una existencia menos astringente. El mejor lugar para esa experiencia sigue siendo la pista de baile, como describe en "Contacto": "Son las 2 a. m., sí, lo logramos/ Todo el mundo se desvaneció/ Tan alto/ Ahora estoy flotando lejos/ Lejos y lejos". —James Rettig

Es difícil hacer música pop excepcional, pero tal vez sea aún más difícil hacer que la música experimental caótica tenga éxito como el pop. Rachel Brown y Nate Amos lo logran en Everyone's Crushed. El álbum mezcla el ruido disruptivo de la vida moderna en sinfonías ocupadas, esculturas sónicas de chatarra construidas con ingredientes que desafían el binario entre la melodía y el estruendo discordante. El resultado está en algún lugar entre el cyberpunk y el indie-pop, mantenido unido por la desconcertada humanidad de Brown en medio del alboroto. —Chris DeVille

This Stupid World es el 17º álbum de estudio de Yo La Tengo. Solo deja que eso se hunda por un minuto. Cualquier banda de carrera puede meterse en el estudio; la parte impresionante es cómo Ira Kaplan, Georgia Hubley y James McNew siempre tienen algo nuevo que decir (o no decir, dependiendo de qué tan aburridos se sientan). Con su producción magra (cortesía de la banda), temas existenciales y un chubasco ruidoso y silencioso característico, This Stupid World es un rayo de luz en lugares oscuros. —Rachel Brodsky

En su álbum debut asegurado (una década en proceso), Yaeji utiliza herramientas tanto nuevas como familiares, manejando sus resbaladizas canciones de baile para la introspección, resolviendo por qué a veces se siente tan bien y otras veces tan mal. La atención al detalle es impecable; cada pista contiene al menos una idea que revela a alguien firmemente dedicado a su oficio. With A Hammer está intrincadamente construido y glacialmente genial, pero sigue siendo humano y acogedor. —James Rettig

Fue impactante ver a los jóvenes de TikTok, una plataforma que Caroline Polachek conquistó brevemente con el baile "So Hot You're Hurting My Feelings", darse cuenta de que su favorito alguna vez estuvo en un viejo dúo de indie-pop llamado Chairlift. Pero Polachek de hecho ha estado expandiendo su (y por extensión, nuestro) universo pop durante 15 años. En Desire, producida por Danny L Harle, su estrella se vuelve supernova a través de inmersiones experimentales en R&B, new age, pop caprichoso e incluso flamenco. —Rachel Brodsky

Es notable cómo suena la música física de Parannoul, especialmente cuando se vuelve cada vez más claro que se trata principalmente de una sola persona y una computadora. After The Magic, el tercer álbum en solitario del todavía anónimo músico surcoreano, es un sueño febril del shoegaze maximalista, ultracomprimido y ultraimpresionante. Desde los burbujeos de pop acústico del tema de apertura "Polaris" hasta su canción de cierre operística, After The Magic es otro recordatorio de que las canciones hechas con máquinas pueden ser tan claramente humanas como las que requieren un toque corporal. —James Rettig

En su sexto LP Multitudes, Leslie Feist encuentra nuevas formas de expresar cómo dos cosas pueden ser verdad a la vez. Desde la catarsis llena de tensión de "In Lightning" hasta la acústica tan silenciosa de "Forever Before" y la belleza disonante de "I Took All Of My Rings Off", Feist revela la muerte, el nacimiento y cómo la vida cotidiana se entremezcla con ambos. —Rachel Brodsky

Como líder, guitarrista principal, compositora y productora principal de Bully, Alicia Bognanno es una especie de navaja suiza, y en su cuarto esfuerzo de estudio, la destreza de Bognanno para hacer estallar las venas del grunge-pop es tan innegable como siempre. Lucky For You da nuevos pasos: el tono es más oscuro, más turbio y más áspero, pero sigue siendo 100 por ciento Bully, lo que significa ganchos con mucha distorsión y total franqueza. Tenemos suerte de tenerla. —Rachel Brodsky

Es comprensible que Phoebe Bridgers, Lucy Dacus y Julien Baker, que comenzaron como boygenius en 2018, tardaron tanto en lanzar un álbum de larga duración: la estrella individual de cada artista ha aumentado considerablemente en los cinco años desde su revelador EP homónimo. . Reunidos en el disco, los poderes del trío casi abruman con armonías impactantes, eslóganes pegajosos ("siempre un ángel, nunca un dios") y una química que salta de los altavoces. Bridgers, Dacus y Baker son el raro supergrupo moderno digno de la descripción. Puede que no sean lo suficientemente fuertes para ser tu hombre, pero juntos son más fuertes. —Rachel Brodsky

El rapero de Nueva York Billy Woods ha tenido una carrera prolífica y desconcertante en los últimos años. En Maps, vuelve a formar equipo con el productor de Los Ángeles Kenny Segal para un álbum que es tan denso y vertiginoso como sombrío, mientras Woods desenreda el complicado nudo de encontrar el éxito y una sensación de estabilidad en una sociedad que continúa descontrolada. . A través del zumbido de ansiedad de la instrumentación de Segal y un grupo de invitados destacados indignados, Maps ilumina el miedo del camino no tomado. —James Rettig

¿Qué ha forjado Alex G? El niño prodigio de Filadelfia es una luz de guía para Feeble Little Horse y muchas de las bandas en su universo extendido, pero el cuarteto de Pittsburgh está en sintonía única para traducir las cualidades que han convertido al hombre G en una leyenda en esta escena. El álbum de segundo año Girl With Fish separa a Feeble Little Horse del grupo, estableciéndolos como una banda que puede convertir experimentos turbios e indistintos en canciones reales, con ganchos apilados y letras sardónicas entregadas por Lydia Slocum, su arma no tan secreta. —James Rettig

Danny Brown y JPEGMAFIA han sido dos de las presencias más entusiastas e impredecibles en el panorama del rap underground durante años, pero no dieron rienda suelta a sus monstruos internos hasta que se unieron. Scaring The Hoes recibe su título de la idea de que estos dos están limitando a sus audiencias al hacer hiper-rap denso y vívido, y tal vez lo estén. Pero la vertiginosa red referencial de muestras y cambios de ritmo de JPEGMAFIA crea su propio tipo de fiesta, y ambos raperos la tratan como tal. —Tom Breihan

No hay nada como este álbum. La forma en que Deedee te ladra a lo largo de Post-American recuerda a muchos antepasados ​​del punk y el hardcore, incluido Ian Shelton de Militarie Gun, quien produjo el álbum y presta su propia voz para "Delete It". Muchas bandas han desplegado sintetizadores que golpean tan fuerte como la batería. Se siente como una fórmula simple, pero en el debut de MSPAINT se congela en algo revelador. ¿Es synth-punk? ¿Nueva ola de hardcore? ¿Rap-rock distópico? No importa cómo lo llames, solo cómo te hace sentir: confundido, emocionado, listo para quemar la sociedad y comenzar de nuevo en Hattiesburg, Mississippi. —Chris DeVille

La reinvención de Jessie Ware ha sido algo hermoso de presenciar. Le estaba yendo bien como cantante de baladas grandiosas y majestuosas, y le estaba yendo aún mejor como presentadora de podcasts y autora de libros de cocina. Pero cuando Ware abrazó los sonidos de club eufóricos y vertiginosos en What's Your Pleasure? de 2020, desbloqueó algo dentro de sí misma. ¡Eso! ¡Se siente bien! va aún más profundo, con Ware aplicando su magnífica voz a himnos disco exuberantes, sexys y juguetones que nunca se sienten forzados o estudiados. Solo hace lo que se siente bien y su placer es contagioso. —Tom Breihan

Vienen de las montañas. Tienen su lap steel guitar; tienen sus anzuelos, aserrados y dulces; tienen su reverencia por My Bloody Valentine y Drive-By Truckers y el gótico sureño. Durante los últimos cuatro años, Wednesday ha construido su comunidad musical y su sonido, y todo llega a un punto crítico en Rat Saw God: un documento brillantemente destrozado, se rompe y se agita y se registra como un álbum singularmente asombroso. La banda se mueve como un enorme coloso, escarpado y afilado; sus ráfagas sangrantes solo son igualadas por la poética violenta y la voz magullada de Karly Hartzman, que elevan a Wednesday de meros acólitos del shoegaze a algo vigorizante e infinitamente más emocionante. —James Rettig

Transmita una lista de reproducción con canciones de los 50 álbumes, también disponible a través de Apple Music:

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